Van den Heever said Guth had created a “dance of the fragmented mind, of the subconscious.”
As a “six-foot-tall person who is supposed to be in the body of a 16-year-old,” van den Heever said, she initially found it difficult to inhabit the character. But, she said, she was helped by Guth’s clear vision of the opera and an emphasis on working as an ensemble.
“You are always part of a greater story,” she said. “You’re part of a tableau, of a painting.”
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Elza van den Heever’s portrayal of Salome sticks to her when she leaves the Metropolitan Opera for a rented apartment on Manhattan’s Upper West Side.
“Every night I wake up with the most disturbing nightmares, just random things that I dream and feel so real,” the South African soprano said. “There’s just a tinge of darkness that’s lying in my subconscious at the moment, and I wake up in a pool of sweat every single night with very, very weird, very strange things that I dream.”
Claus Guth’s intense and disturbing production of “Salome” opens Tuesday night and runs through May 24, the Met’s first new staging since 2004 of Strauss’ adaptation of an Oscar Wilde play. The May 17 performance will be televised to theaters worldwide.
Based on the biblical story of the Jewish princess who was the daughter of Herodias and stepdaughter of Herod Antipas, “Salome” provoked a scandalous reaction to its 1905 premiere. It is best known for the seductive dance of the seven veils that the princess performs for her lecherous stepfather in exchange for a gift of her choosing: the head of St. John the Baptist on a silver platter.
Body doubles show a shattered psyche
An acclaimed German director making his Met debut at age 61, Guth updates the setting to Victorian time and supplements Salome with six body doubles at various stages of youth, in black velvet dresses with white lace surrounding the neck and black bows. Guth wanted them to resemble organ pipes when standing together. Their blank expressions bring to mind the Grady twins haunting the Overlook Hotel in Stanley Kubrick’s “The Shining.”
“It’s one of my favorite movies,” Guth said. “Unconscious, I probably took something from there.”
Guth’s staging was first announced by the Met in 2017 as a coproduction with Moscow’s Bolshoi Theatre starring Anna Netrebko. It debuted at the Bolshoi in 2021 with Asmik Grigorian, after Netrebko decided the role wasn’t right for her, and was to open the Met’s 2021-22 season only to be pushed back because of the pandemic. Russia’s attack on Ukraine prompted the Met to build its own sets.
Before Strauss’ opening note, a video of a young Salome is projected as a prerecorded celesta plays, evoking a music box. The set includes a doll, a stuffed animal and a hobby horse. During the dance, a Herod body double wearing a mask mixing ram and human in the style of Picasso pairs with each Salome in ascending age to project stages of abuse that left her irreparably scarred as she collapses.
“I definitely view it as fragments of memories that are being reconstructed by a brain that has been abused and tortured,” van den Heever said. “His perversity just overwhelms her. … You see the way that Herod grooms the first three in particular and how his behavior becomes more violent and more cruel with the last three.”
Gerhard Siegel, the actual Herod, watches from a short distance as his lifetime of exploitation is depicted.
“What’s happening on stage is revolting, however, the power of it is that the music is just so beautiful it becomes even more beautiful when the actions on stage are more revolting,” Met music director Yannick Nézet-Séguin said. “So that contrast should make people uncomfortable and if we do it right, yes, they should be shocked.”
Working together for first time in 17 years
Van den Heever greeted Guth with a hug when rehearsals started last month and told him: “I’ve been looking forward to this for years.” Now 45, she last worked with Guth when he directed her 2008 European debut as Giorgetta in Puccini’s “Il Tabarro” at Oper Frankfurt.
“I was 100% in love from the very first moment we worked together. I think we’re a match made in heaven,” she said. “I just remember it being eye-opening, this world of regietheatre. I was scared of it because at the time everybody’s always talking about, quote ‘Eurotrash’ and that scares you because you think, oh my God, what am I going to encounter? And it wasn’t like that at all.”
“The first couple of weeks I was really struggling,” she said. “It was hard for me to find my voice within her concept, but once I did, I was 100% and I think the performance speaks for itself. That’s not me being forced to do things that I don’t want to do. That was me 100% in the concept and in the role as she envisioned it and doing it with full confidence and conviction. It was difficult to get there, but once I got there I was extremely proud of the work we did.”
Differences are clear to her.
“They’re both equally dark and disturbing,” van den Heever said, “except Lydia’s was definitely more a visceral experience, whereas Claus’ is more a psychological experience.”
Symbolic sculpture
During a climactic scene, Salome pushes over a 250-pound, 7-foot statue that shatters on the stage, creating a dust cloud.
Gloria Sun, head of prop at the Met’s construction shop, led four people creating 16 plaster statues filled with burlap — one gets destroyed during each stage rehearsal and performance. The crew has given each a name, starting with Adam, Benjamin, Cain and Daniel. For opening night, Hamilton gets shattered.
“This is a moment that maybe shocks everybody,” Sun said
At the final dress rehearsal last week, van den Heever was so overcome that her eyes teared when the audience applauded her during the curtain call.
“It’s pretty clear that we’re dealing with a very, very messed up situation,” she said. “And it is perverse and it is cruel and it is psychologically very twisted. I think if we leave people comfortable at the end of the show, that means we didn’t do our job very well.”
Comments Off on Soprano Elza van den Heever has nightmares from her disturbing portrayal of `Salome’
In early December, after the final two performances of Richard Strauss’ Die Frau ohne Schatten at the Metropolitan Opera, something out of the ordinary happened. Amid the thunderous cheers when South African-born soprano Elza van den Heever—who had just sung the title role—appeared for her solo bow, a shower of confetti made from torn-up programs rained down on the stage from high up in the opera house. This rarely offered (if officially frowned-upon) tribute marked a seismic advance in the local appreciation of a versatile performer who had been sensational as the Kaiserin in the splashy Frau revival. Van den Heever had ascended to true Met stardom! As the vigorous applause continued, the soprano admitted she was at first confused, then “gobsmacked” by the surprising confetti tribute. “Receiving love and appreciation from an audience is truly one of the best feelings in the world,” she told Observer.
On April 29, the soprano’s triple-Strauss Met season continues with the title role in an eagerly-awaited new production of Salome, the composer’s riveting early one-act shocker drawn from Oscar Wilde’s purple adaptation of the lurid Biblical story of a capricious young girl who demanded the beheading of John the Baptist as payment for her provocative dance for King Herod. Long delayed by pandemic closures and the resulting scheduling chaos, the production will mark the Met debut of noted German director Claus Guth, whose work has only previously been seen in New York when he and tenor Jonas Kaufmann collaborated on Doppelganger at the Park Avenue Armory several years ago.
Over the course of several refreshingly frank conversations, van den Heever shared reflections on her career and why the music of Strauss has proven so special to her. “I love how his music, in learning it, makes me a smarter individual, and I feel like I am embraced in a hug that lasts for all of the hours the piece is long,” she said. “Strauss makes me feel loved and like I am part of a world that is supernatural and extremely special.”
Since her Met debut in 2012 as Elizabeth I in the opera house’s premiere of Donizetti’s Maria Stuarda (for which she shaved her head to emulate the Virgin Queen’s signature look), the soprano has shone there in operas from Handel and Mozart to Wagner and Berg. “I have been very lucky in my early life to have had mentors who insisted that I keep the versatility in my instrument alive and well.” Wholly trained in the U.S., van den Heever arrived at the San Francisco Conservatory of Music at age eighteen as a mezzo soprano pursuing first her bachelor’s, then a master’s. While she was in the Merola Opera Program at the San Francisco Opera, Dolora Zajick took the young singer aside to tell her she wasn’t a mezzo after all but a soprano—one her future manager, Matthew Epstein, would dub “the real deal.”
To the astonished, newly annointed soprano, Epstein laid out his vision for her: a steady, patient path in which she would “make haste slowly.” When she was just 25, he predicted that she had the potential to conquer the lyric dramatic roles in which she’s now enjoying wild acclaim at many of the world’s major opera houses. During her formative years at the Frankfurt opera, she solidified her technique by first taking on Mozart and bel canto operas like Norma and Anna Bolena. She also dipped into Puccini as Giorgetta in Il Tabarro for a staging by Guth that was her introduction to regietheater, a non-traditional approach to opera that proved a revelation to the rising singer. She realized that she didn’t want to perform in “boring” productions but ones that stimulated both performers and audiences.
Epstein believes that the challenges stemming from her dyslexia, combined with her quiet determination, have created an artist supremely prepared to conquer demanding German roles like the Kaiserin and Salome (the latter persona is on stage for nearly all of the opera’s 110 minutes). “It’s all about patience and hard, long hours in the practice room,” van den Heever said. “Like any athlete, we as singers have to train our muscles to be able to build up the stamina it requires to sing those long, difficult monologues. Pacing is also about fueling your body properly and staying hydrated!”
Normally, van den Heever prepares her roles with coaches who are experts on the opera she’s learning. They were particularly helpful last year, as Frau was “the most difficult singing I have ever done.” But the lockdown of 2020 meant that she had to work on Salome by herself in the small French village she calls home. When she wasn’t immersed in Strauss, she became one of the pandemic’s most surprising social media breakout stars when she began to regularly post photos of her extraordinary cakes. Since resuming performing, the singer still carves out time to exercise her baking muscles for delicious, if dangerous-looking, Salome-themed creations. For her role debut in Paris, she proffered the prophet’s severed head to her thousands of Instagram followers. More recently in New York, she baked up a remarkably detailed pomegranate like the one to which Salome lasciviously compares the red mouth of Jochanaan—a fruit prominently featured in promotional posters and clips the Met has created anticipating van den Heever’s Salome.
She is reticent to divulge too many spoilers about the upcoming Met production, which will reunite van den Heever with—as the doomed Jochanaan—Swedish baritone peter mattei, her partner in William Kentridge’s 2019 Met Wozzeck. She would say that she believes Guth is creating a very sympathetic portrait of Salome, and that when opera companies hire her for the role, they’re getting a “six-foot, lumpy” soprano unsuited for a striptease to the celebrated Dance of the Seven Veils. Guth’s vision of that crucial episode features six “mini-Salomes” from age eight and up, who share the dance with van den Heever and a double for Herod, her leering stepfather.
Yannick Nézet-Séguin, the Met’s Jeanette Lerman-Neubauer Music Director, praised “her voice as truly one of a kind—vibrant, crystal clear, and yet powerfully expressive. Elza is the consummate artist, and her star quality is undeniable.” In 2018 Nézet-Séguin was on the podium for Elektra, both his and van den Heever’s first Strauss opera in New York. As Chrysothemis, she stole the show by bringing to startlingly vivid life the heart-wrenching fears of the protagonist’s younger sister with soaring, gleaming high notes that are the essential attributes of a true Strauss soprano. He then led both her first Kaiserin in concert in Europe just before the pandemic, as well as last fall’s Met Frau run, and he will again be in charge of the new Salome.
At Carnegie Hall in June, he and van den Heever will conclude their Strauss season with a Met Orchestra concert featuring five favorite orchestral songs including “Zueignung” and “Cäcilie” because Nézet-Séguin believes “Elza is the ideal artist to bring [Strauss’ works] to life.” Before she appears that evening, the orchestra will play a suite from Der Rosenkavalier, so I asked her if she has her eye on the Marschallin, that opera’s heroine. She demurred, shaking her head as she replied, “Not yet!” But she does have her eye on the title role of Strauss’ Ariadne auf Naxos, an opera in which she appeared earlier in her career as the boyish Composer.
But for now, she is “finally at a place in my career where I can start to repeat roles!” Salome at the Met follows a controversial 2022 Paris production by American director Lydia Steier that featured the diva vigorously straddling Herod during the Dance of the Seven Veils. What van den Heever and Guth have in store for that eagerly anticipated sequence and the rest of Salome will be revealed on April 29, with seven more performances continuing through May 24. The Saturday matinee on May 17 will be transmitted in HD to theaters worldwide, which the soprano is grateful for—her parents in South Africa, along with thousands of other people, will be watching.
When I shared that it was disappointing that she won’t be appearing with the Met next season, she winked and whispered, “I’ll be back!”
Comments Off on Soprano Elza van den Heever Is Tackling the Met’s ‘Salome’ Head On—or Off!
Elza van den Heever, a star of “Die Frau Ohne Schatten” at the Metropolitan Opera, no longer sees dyslexia as a hindrance — just a different way of learning.
When the soprano Elza van den Heever was hired to sing the role of the Empress in Strauss’s “Die Frau Ohne Schatten” at the Metropolitan Opera, she was elated. It was a dream role — the kind that could cement her reputation as a leading singer.
But van den Heever was also nervous. She has struggled with dyslexia since her childhood, in South Africa. And “Frau” is one of opera’s most daunting works, not least because of its dense libretto.
“I just sort of assumed in life that I would never be able to sing this kind of complicated music,” she said. “I knew this would be my Mount Everest.”
For three years, van den Heever followed a rigorous routine, learning the “Frau” music five to 12 measures at a time and studying the text “as if I were a toddler learning a new language,” she said.
Then the pandemic hit, and the Met’s revival of “Frau” was called off.
“I was devastated,” she said, “100-percent gutted.”
Finally, van den Heever is getting her moment. “Frau” was rescheduled, and is now onstage at the Met through Dec. 19. Van den Heever has won praise for her shimmering voice and seamless virtuosity, and this run of “Frau” has been hailed by critics as a must-see opera.
Van den Heever, 45, who lives in France, has vaulted to the heights of the opera world with intensely emotional performances in Strauss’s “Elektra,” “Salome,” and in other works that reflect unusual versatility, like Handel’s “Rodelinda,” Verdi’s “Don Carlo” and Berg’s “Wozzeck.”
Offstage, she has grappled with the complexities of dyslexia. Scores often look like a “sea of black” to her, she said. She sometimes struggles to understand changes in tempo and key on the page; “I have to figure it out like a math problem,” she said. And she cannot sight read — a fact that she once hid, worried it might hurt her career.
Still, she no longer sees dyslexia as a hindrance — just a different way of learning. Van den Heever color-codes her scores and structures her schedule so that she can spend years preparing for each role.
“A dyslexic brain makes you think outside the box in a weird way,” she said. “I don’t look at it as a handicap anymore.”
The conductor Simone Young, a frequent collaborator, said that van den Heever’s intense preparation had helped make her a leading lyric soprano, with enough time to “learn every nuance, every shading of each word.”
Van den Heever, Young added, also has a steely determination. “She has this incredible beauty and calm, but there’s a fragility there and a vulnerability there that just draws you in,” Young said. “She’s her own toughest critic, and she works herself very hard. But when she comes out to perform, it’s beautiful and it’s honest, which is why it’s just so overwhelming sometimes.”
A triplet born to an actress and a filmmaker in Johannesburg, van den Heever aspired to be a chef. But when friends and neighbors heard her sing in school choirs, they were stunned.
“They would say, ‘My God, she has to sing,’” van den Heever recalled.
She began to take voice lessons when she was 16, but still had culinary dreams. Her teacher told her that she could always cook, but she would not always be able to sing.
When she was 18, van den Heever enrolled at the San Francisco Conservatory of Music, and started her career as a mezzo-soprano. She began transitioning to soprano roles at 25, after the veteran mezzo-soprano Dolora Zajick told her at an audition, “You are going to be a dramatic soprano.”
Van den Heever, who felt in her bones that she was a mezzo, was in disbelief. Zajick, sitting at a piano, warmed her up to a high G.
“The tears just spewed out of eyeballs,” van den Heever said. “I was so shocked and so stunned by this discovery that I had actual high notes.”
Van den Heever performed her first soprano role — Donna Anna in Mozart’s “Don Giovanni”— a few years later, in 2007, at San Francisco Opera. Soon, she had invitations from top opera companies, including Lyric Opera of Chicago and the Bavarian State Opera. She made her Met debut in 2012, as Queen Elizabeth I in a new production of Donizetti’s “Maria Stuarda.”
Christine Goerke, a fellow soprano and van den Heever’s colleague in a revival of “Elektra” at the Met in 2018, said that when she heard van den Heever as Elizabeth, “I was absolutely blown away by her astounding ability to inhabit a character, both vocally and dramatically.” She added: “It’s rare to meet someone who is so willing to throw their entire self — mind, heart and soul — into the character that they become onstage.”
As van den Heever’s career took off, she was largely successful in managing her dyslexia, relying on muscle memory, diligence and creativity. She focuses first on learning the pitches, fragment by fragment. Then she adds the words. Sometimes, mastering five measures can take an entire day.
At times, she has run into trouble. While rehearsing a new work in 2006, with the conductor Kent Nagano in San Francisco, she panicked when she learned there had been last-minute changes to the score.
”I kind of had a heart attack,” she said. “It was like the worst thing that ever happened.”
In 2022, van den Heever went public with her struggle, and said that she didn’t want other musicians with dyslexia to feel they could not succeed.
“Here is the thing: I am dyslexic,” she wrote on Instagram. “It’s not a secret, but I remain to this day embarrassed about it as it affects my interaction with my profession. I’m a professional musician who has real trouble learning music, let alone difficult music. I go through life feeling like a total fraud.”
Her repertoire at the Met would say otherwise. After “Frau,” she will be back on the company’s stage to star in “Salome,” another signature Strauss work.
“She’s getting the adulation from the audiences and from backstage that she deserves,” said Peter Gelb, the Met’s general manager. “She’s nailed it.”
Despite the pressures of a singer’s career, van den Heever has found time to return to cooking. During the pandemic, she started baking opera-themed cakes, like a “Salome”-inspired vanilla buttercream cake in the shape of John the Baptist’s head.
At the Met’s annual bake-off this month, she won best in show with a replica of Maurizio Cattelan’s “Comedian,” a conceptual artwork made of a banana taped to a wall, which recently sold at Sotheby’s for $6.2 million. Her version was a banana and peanut praline cake with toasted Swiss meringue buttercream.
Cooking and baking, van den Heever said, provided an escape after long rehearsal days.
“There is nothing that gives me more pleasure,” she said. “Except maybe singing.”
Comments Off on How a Soprano With Dyslexia Rose to the Heights of Opera
South African dramatic soprano Elza van den Heever (pictured above in an early rehearsal) returns to the Met this season, bringing her blazing voice to two masterpieces by Richard Strauss. Currently starring as the Empress in the mythological epic Die Frau ohne Schatten, she will be back in the spring to headline a new staging of Salome, with Music Director Yannick Nézet-Séguin on the podium for both productions. Van den Heever recently spoke with the Met’s Jay Goodwin about her love for these two powerful roles and the joy she finds in singing Strauss’s high-flying music.
Die Frau ohne Schatten isn’t Strauss’s most popular opera, but it’s one that people fall deeply in love with once they encounter it. That was exactly my experience. It’s not an opera that I grew up with, or that I knew at all. But since the start of my career, when people in the industry heard my voice, they always said, “One day, you’ll be singing the Empress.” And then, in 2017, there was a production in Frankfurt, and the intendant gave me his front-row ticket. I was entranced from the first chord. I couldn’t believe that music like this existed. It was such a magical experience, so overwhelmingly powerful. And then, when I heard Tamara Wilson singing the Empress, I fell in love with the role on the spot. It took me about three years to learn it, but now that it’s done, I’ve never been so in love with a piece of music. Every time I sing it, I think to myself how lucky I am that I was given the voice type for it.
Is it a particularly good fit for your voice? Absolutely. Strauss wrote so well for the female instrument, and the three female roles in this opera are so distinct, so beautifully tailored for their specific voice types. I couldn’t sing the Dyer’s Wife—I don’t have the voice for it. But the Empress is a pleasure to sing from beginning to end. It feels like honey. It feels like medicine.
The Empress is a somewhat enigmatic character. She’s partially supernatural, a shapeshifter who has only recently taken human form. And she goes through quite a transformation over the course of the opera. Her character development is so beautiful. At the beginning, I think of her as a teenager going through puberty, who doesn’t really know who she is or what she wants. She’s naïve and curious, and repelled by humanity. And then, in the second act, when she observes the relationship between the Dyer and his Wife, and their disagreement about the Dyer’s desire to have a child, something in her awakens. She is introduced to the feeling of guilt and the idea that actions have consequences. In the third act, she discovers that she really does want to be human, that she wants to be part of this complicated world. It’s a real voyage of discovery.
How does Strauss illustrate that journey in your music? Her entrance music is sort of flighty, sort of magical, and sits very high. Over the course of the opera, as she discovers more of her herself, she discovers more of her vocal range. The orchestration of her music also changes, gaining depth along the way until, in the third act, she has a sort of duet with solo violin. It’s so exposed, so vulnerable, so emotional. Yet she also has many moments when the orchestration is very heavy and multitextured. Strauss is incredible in how he makes her emotional journey clear through the variety of textures, how he paints with the orchestra. How does it feel to let your voice ride Strauss’s big orchestral swells? There’s nothing like it. I literally can’t describe it. I’ve never gone skydiving, but I suspect that when you are floating up there before you pull your parachute—it must feel like that. It’s the closest to flying that I can imagine. It feels so free, so liberating. It’s orgasmic.
You’re part of a remarkable cast in this run, alongside Lise Lindstrom as the Dyer’s Wife, Nina Stemme as the Nurse, Russell Thomas as the Emperor, and Michael Volle as Barak. What are you looking forward to with this group of colleagues? I’m doing a lot of German operas these days, and one of the biggest pleasures with this repertoire is that you sing with the same people over and over again, so you get to know each other quite well. I sang my first Die Frau ohne Schatten with Lise—and Yannick conducting—on tour with the Rotterdam Philharmonic in 2020. I’ve worked with Nina many times, as Chrysothemis to her Elektra, so I know her very well. Russell and I have done Fidelio twice together, and I’ve already done Frau twice with Michael Volle. I love all of these people so much, and I cannot wait for us all to get together.
Your season of Strauss at the Met continues in the spring as you sing the title role in our new production of Salome. How does Salome compare with the Empress? They’re so different, in their characters and in their music. Salome mostly sits quite low in my voice until the final ten minutes. And her character is so delicious, so complicated and perverse and injured and abused. So completely three-dimensional. But once again, I just love the music. It’s such a privilege—I have to pinch myself every day that I was asked to do these two roles at this house. I still can’t believe it. To step into the shoes of the people that came before me in this repertoire is daunting, but I’m filled with gratitude, to the Met and especially to Strauss. What an absolute genius.
La soprano sud-africaine Elza van den Heever chante pour la première fois Salomé. C’est aussi la première mise en scène en France de l’américaine Lydia Steier. La direction musicale a été confiée à l’une des spécialistes de Richard Strauss, Suzanne Young. « Certaines scènes peuvent heurter la sensibilité des spectateurs » prévient la direction de l’Opéra national de Paris pour cette nouvelle production du 12 octobre au 05 novembre 2022 à Bastille. Rencontre avec Elza van den Heever avant une première très attendue.
Comment vous sentez-vous avant d’aborder la première et cette prise de rôle ?
Je ne sais pas vraiment comment répondre à cette question pour le moment. J’ai juste hâte de voir le travail se concrétiser après un an et demi de travail, car c’est vraiment le temps qu’il m’a fallu pour apprendre à me mettre dans ce rôle, et mettre ma voix dans mon corps. Actuellement, nous ne travaillons qu’avec le piano [interview réalisée le 30 septembre], qui est très percussif, et j’ai hâte de travailler avec l’orchestre pour ressentir les vagues orchestrales.
Salomé est l’un des opéras les plus sombres de Strauss. Comment sera cette production ?
Avec plus de noirceur et de profondeur, nous allons plonger dans la laideur de l’humanité. Il n’y aura pas de danse des sept voiles avec une belle mousseline, il n’y a rien de tout cela. C’est une production qui en phase avec la société, avec la guerre qui fait rage et le bouleversement climatique. Cela transparait dans cette production sombre. Mais qui est vraiment intéressante.
Comment avez-vous réagi quand Lydia Steier, la metteuse en scène vous a présenté le projet ?
Quand j’ai entendu entendu parler du projet pour la première fois, je me suis dit, waouh, ce n’est pas la Salomé que je rêvais d’interpréter pour la première fois. Quand vous jouez un rôle pour la première fois, vous voulez simplement tremper vos orteils dans l’eau chaude. Vous ne voulez pas submerger tout votre corps dans un océan. Mais, petit à petit, je fais surface, grâce à la magnifique équipe sur le plateau qui m’entoure et me protège.
Comment abordez-vous l’une des scènes cruciales de l’opéra, celle de la danse des 7 voiles ?
C’est difficile pour moi, car c’est un viol, c’est une sorte d’orgie sexuelle. Ce n’est pas facile d’interpréter ce rôle pour la première fois dans une telle production. Mais honnêtement depuis 4 semaines, je commence à en récolter les bénéfices. Je me sens plus forte. Je sens que je vais m’en sortir, que je progresse et que je vais pouvoir affronte plus facilement les choses qui me font peur.
Quelles réactions attendez-vous du public ?
Je pense que certains spectateurs seront choqués. Mes parents viennent d’Afrique du Sud, et j’ai essayé de les préparer à ce qu’ils allaient voir sur scène. Et j’ai anticipé leur réaction, surtout mon père, pour qu’il ne soit pas bouleversé parce ce qu’il va voir. Il m’a mis à l’aise en me disant : « écoute, premièrement c’est une histoire qui est racontée par des acteurs sur scène. Et deuxièmement, il y a tellement de d’horreurs dans le monde en ce moment que ce n’est qu’une représentation de cela« . Oui, les gens seront choqués. Mais ouvrez simplement vos fenêtres et regardez ce qui se passe autour de nous en ce moment. Il y a de la souffrance, de la laideur. Et nous ne faisons que la montrer sur scène.
Comments Off on Elza van den Heever, une Salomé en phase avec la société
Forte personnalité, tempérament ardent, voix longue et ample, la soprano Elza van den Heever est à Paris pour faire ses premiers pas sur la scène de l’Opéra Bastille, en Chrysothemis dans une reprise d’Elektra de Strauss mise en scène par Robert Carsen. Onze ans après ses débuts au Palais Garnier dans Così fan tutte, la cantatrice, née en Afrique du Sud mais Française de cœur, revient dans la capitale par la grande porte dans l’opéra d’un compositeur qui compte plus qu’aucun autre dans une carrière brillamment conduite, qui l’a menée de New York, à Vienne en passant par Bordeaux, San Francisco, Hambourg, Francfort ou Santa Fe. Elle s’est confiée à nous à quelques jours de cette première très attendue où elle aura pour partenaires, du 10 mai au 1er juin, Christine Goerke, Angela Denoke et Tomas Tomasson, sous la direction de Semyon Bychkov, puis de Case Scaglione (à partir du 26 juin).
Le 10 mai prochain vous chanterez pour la première fois sur la scène de l’Opéra Bastille sous la direction de Semyon Bychkov, le rôle de Chrysothemis dans l’Elektra de Strauss. Comment vous sentez-vous à quelques jours de vos débuts ?
Oh, je suis très excitée, pour beaucoup de raisons. La première parce que je suis heureuse de chanter sous la baguette du maestro Bychkov que je ne connaissais qu’à travers ses enregistrements et dont je peux admirer les qualités depuis que nous répétons ; en plus d’être un très grand chef, il est également une formidable personne et je ne pouvais imaginer meilleur soutien pour ce rôle. La seconde tient au fait que j’aime particulièrement Robert Carsen avec qui j’ai déjà collaboré il y a quelques années à Strasbourg sur une production de Don Carlo et une reprise d’Iphigénie en Tauride. J’apprécié son style, son imagination et l’originalité de ses propositions scéniques. Je me considère très chanceuse de me retrouver ici. Enfin le fait de partager la scène avec Christine Goerke qui sera ma première Elektra, est également très important car j’aime énormément travailler avec elle. En plus d’une cantatrice merveilleuse, c’est une personnalité unique, rassurante, stimulante ; sans doute parce qu’elle est mère de deux enfants, elle dégage beaucoup d’amour et de chaleur et le fait de se retrouver à ses côtés vous transporte. C’est rare de ressentir toutes ces émotions auprès de quelqu’un, car en plus de cela elle respire cette musique comme personne. Strauss est un compositeur extraordinaire, mais sa musique n’a rien de facile et lorsque vous chantez avec une artiste telle que Christine, vos appréhensions disparaissent. Elle n’est jamais nerveuse, au contraire on sent qu’elle est confiante, peut-être parce qu’elle a déjà chanté Chrysothemis et dans la production originale donnée à Toyko, où elle partageait l’affiche avec la grande Deborah Polaski. Pour le moment tout va bien.
Pour être exact, vous avez chanté au Palais Garnier Fiordiligi en 2011 et interprété en février 2020 sur la scène du théâtre des Champs-Elysées, une inoubliable Kaiserin dans La femme sans ombre donnée en version de concert. Peut-on dire que Strauss est devenu avec les années votre compositeur préféré ?
Sans aucun doute. Vous parlez de Frau ohne Schatten que j’ai interprétée ici à Paris et que j’aurais dû aborder à la scène si la pandémie n’avait pas tout remis en question. J’ai mis presque deux ans à l’apprendre tellement cette partition n’allait pas de soi et pourtant je suis certaine qu’elle est désormais dans ma chair et qu’elle réapparaitra dès que j’y reviendrai. Je dois vous avouer que ce concert est peut-être celui que je considère comme le plus important de toute ma carrière. Il s’est vraiment passé quelque chose de rare ce soir-là ! Avec Chrysothemis je n’ai pas eu les mêmes difficultés, j’ai perçu plus rapidement les beautés de la musique et sur cette production je commence à comprendre enfin la manière si particulière que Strauss avait d’écrire pour les cantatrices, qu’il aimait tant ; sa musique me parle et je ressens un plaisir infini à m’y plonger, à me laisser porter par ces lignes interminables et à l’électricité qui se dégage de ces partitions.
Est-il facile de jouer, comme c’est le cas pour cette production déjà ancienne de Robert Carsen en succédant à d’autres collègues et en particulier à Ricarda Merbeth, qui fut la dernière Chrysothemis en 2013 ?
Oui, cela ne me pose pas de problème, je me sens bien dans ce rôle et dans cette production. J’ai remarqué que la pandémie qui nous a pourtant longuement éloigné du public et de la scène, au lieu de nous contraindre ou de nous empêcher de retrouver facilement nos marques au moment de la reprise, nous avait permis de nous sentir plus fort. C’est assez incroyable mais depuis que j’ai repris mon activité, je suis beaucoup moins inquiète et ne monte plus sur scène comme avant.
Pouvez-vous me dire si je fais une erreur, mais au cours des cinq années qui viennent de s’écouler, vous avez chanté de nombreuses partitions dont certaines issues du bel canto, qui vous ont certainement nourri vocalement et artistiquement, mais qui n’étaient peut-être pas le meilleur répertoire pour votre typologie vocale. Ne l’avez-vous pas trouvé aujourd’hui avec Beethoven, Berg, Wagner, Strauss et Verdi ?
Certainement, mais tout ceci est compliqué car j’ai d’un côté une voix qui m’a permis de chanter beaucoup de choses et de l’autre j’aime le changement. Je n’ai jamais voulu m’ennuyer et j’ai eu la chance depuis mes débuts de pouvoir aborder des partitions très différentes. J’ai d’ailleurs chanté Rodelinda il y a peu au Met, où je succédais à Renée Fleming. Nous n’avons bien sûr pas du tout la même voix, mais j’étais très heureuse de pouvoir livrer mon interprétation et prouver que l’on pouvait chanter ce rôle d’une autre manière. De plus, revenir à Haendel permet de vérifier si son instrument est toujours en bon état. J’ai une voix qui semble être faite pour le répertoire germanique, mais les influences du bel canto et du baroque m’ont aidées à chanter les œuvres allemandes, car tout ce que j’ai fait m’a permis de conserver la flexibilité et la souplesse. Je pense pouvoir chanter encore certains rôles mozartiens comme Vittelia ou Elettra, car en plus de la musique, les personnages sont très intéressants. Verdi est magnifique et si on veut bien le chanter il faut conserver cette facilité que l’alternance apporte.
Pourquoi est-il parfois difficile pour un chanteur de trouver son propre chemin vocal, comme autrefois la légendaire Léonie Rysanek qui chanta tout au début de sa carrière et prit parfois des risques ?
Oui c’est vrai. Je crois qu’il faut être capable de suivre son chemin, même s’il ne semble pas droit. J’ai pris des risques, mais j’ai suivi ma route, en prenant parfois des chemins de traverses, mais parce que c’était mon choix. J’ai décidé de chanter ces rôles et n’ai jamais été forcée. Pour moi il faut passer par là. J’ai pris cette habitude et ne le regrette pas. Si j’avais écouté certains, je me serais contenté d’aborder Elsa et dix ans après j’y serais encore. Mon agent m’a laissé faire et de Mozart, à Haendel, de Verdi à Wagner, les rôles se sont enchaînés naturellement. Pourriez-vous définir votre voix à quelqu’un qui ne l’aurait jamais entendue ?
Hum… I don’t know ? J’ai une voix haute et claire, au son que je qualifierais de pénétrant. Je peux dire que sa couleur n’est pas celle de l’or, mais plutôt de l’argent. C’est assez difficile vous savez ! Elle aurait la saveur du chocolat noir plutôt que celle du chocolat au lait, avec une pointe de piment (rires) et pas trop de crème à l’intérieur. Ma voix n’a pas la largeur de celle de Christine et d’ailleurs quand je suis à ses côtés, j’ai l’impression d’avoir un petit instrument par rapport au sien qui est si enveloppant.
Quelles traces perceptibles ont laissé sur votre instrument le répertoire belcantiste, mais également Mozart et Haendel que vous avez chanté par le passé ?
Je dirais que tout ce que j’ai chanté m’a aidé à maintenir ma voix flexible et brillante, ce qui est capital. Si je m’étais contentée uniquement du répertoire allemand, qui est tout de même assez lourd, sans côtoyer d’autres partitions, j’aurais pris le risque de perdre une certaine malléabilité vocale. Si on écoute attentivement ma voix on devine que je suis capable de chanter des coloratures, et que, à l’image d’un trampoline, je peux aller très haut, la faire rebondir ; c’est grâce à ma pratique du bel canto et parce que j’ai très tôt alterné les répertoires, que ma voix a pu rester jeune et fraiche. Cette gymnastique lui fait du bien.
Vous avez déclaré dans une interview que : « Chaque rôle, chaque personnage que vous aviez joué, vous préparait toujours au prochain ». Donc celui de Chrysothemis est le meilleur pour accéder à Salomé qui sera votre prochaine incursion straussienne ?
Peut-être ? Lorsqu’on répète Elektra on peut déjà se projeter dans Salomé car il y a des similitudes, mais plus généralement c’est vrai que tout ce que l’on interprète influence ce qui va venir ; tout ce qui nous entoure, les collègues chanteurs et les musiciens, nous aide, car nous sommes des éponges et nous n’avons qu’à absorber, à emmagasiner pour reproduire un jour ou l’autre. Chrysothemis et Salomé ne sont pas sœurs, c’est certain, mais de nombreuses cantatrices ont incarné les deux, je pense à Leonie Rysanek qui chanta même en fin de carrière Klytämnestra. Vous connaissez l’interprétation de Montserrat Caballé de Salomé au disque ? Je la trouve merveilleuse avec un son très différent des autres, très rond, très riche et très inspirant.
Avez-vous besoin de vous sentir proche d’un personnage pour le jouer de la meilleure façon ?
Humm … je ne crois pas, car j’essaie toujours de comprendre les rôles, même s’il m’arrive d’être un peu rétive au départ. Il est évident qu’un personnage comme Salomé n’est pas proche de ma personnalité, car je n’ai jamais fait étalage de ma sexualité, très jeune j’étais réservée ce qui n’est pas le cas de la Princesse de Judée ; je vais donc devoir travailler cela et jouer un caractère qui n’est pas le mien. Heureusement la direction d’orchestre et la mise en scène vont m’aider dans ma recherche. J’ai accepté de chanter Salomé pour la musique en premier lieu et pas pour le personnage, mais je vais tout faire pour réunir les deux aspects. Après Salomé il y aura Daphné …
Il n’est pas fréquent qu’une Sud-africaine comme vous décide de vivre en France. Etait-ce un des rêves que vous souhaitiez réaliser lorsque vous étiez étudiante ?
Non pas du tout, je suis tout simplement tombée amoureuse d’Isabelle Masset (ancienne directrice adjointe artistique de l’Opéra de Bordeaux) que j’ai rencontrée à Bordeaux et qui est devenue ma femme. C’est à cause de l’amour que je suis venue m’installer dans le sud de la France, il y a quatorze ans. Depuis j’ai été naturalisée française et je vous l’accorde, je devrais vous parler en français, mais je ne le parle pas assez bien …
Justement vous chantez le répertoire anglais, italien et allemand mais peu de partitions françaises. Pourquoi ?
Le répertoire français regorge de partitions et de rôles magnifiques, mais j’ai peur de les aborder car je ne manie pas suffisamment bien la langue, qui est très compliquée. Certains chanteurs y parviennent mais moi pas très bien : Michael Spyres, Susan Graham, Fleming la chantent de manière incroyable sans la parler. Moi, je crains de ne pas être à la hauteur. J’ai tout de même abordé La Vestale de Spontini à Vienne, opéra que je reprendrai dans deux saisons, mais je dois à chaque fois faire de gros efforts pour obtenir un résultat satisfaisant. Iphigénie en Tauride où j’étais la doublure de Susan Graham m’a procuré un grand plaisir… Je voudrais aborder Mme Lidoine dans les Dialogues des carmélites et Les Troyens viendront peut-être un jour, nous verrons.
Il est désormais courant que des femmes occupent des postes clés sur des productions lyriques, comme cela sera le cas à la rentrée prochaine avec Salomé qui sera dirigée par Simone Young et mise en scène par Lydia Steier. Que pensez-vous de ce changement ?
Je crois que celles qui sont là le sont parce qu’elles sont les meilleures. Si elles n’étaient pas bonnes, si elles n’avaient pas le niveau requis, elles ne le pourraient pas. Je crois à l’équité et à la qualité et tant mieux s’il y a davantage d’opportunités pour les femmes aujourd’hui. Il est devenu courant que des femmes dirigent des orchestres, mais il est tout à fait normal qu’une cheffe comme Simone Yong, qui est selon moi l’une des plus grandes dans le monde, soit appelée à diriger les plus importantes partitions dans les plus grands opéras. La perspective de travailler avec elle dans quelques mois Salomé me réjoui. Je crois à l’équité et à la nécessité de maintenir un standard de qualité en faisant appel aux meilleurs : cela doit être la normalité. Il ne faut pas sentir que l’on met des femmes pour faire bien ou pour rattraper le temps, mais tout faire pour trouver un équilibre. Les personnes compétentes être doivent là où elles doivent être. Je crois sincèrement aux qualités de chacun.
“Elza van den Heever is an authentic stage animal whose performances are imbued with singular power and spontaneity. Tall and striking, with a full, rich soprano, she is a mesmerizing presence in any role. But there is more than meets the eye in van den Heever’s work, as she confessed in a 2017 interview with Mike Silverman of AP. “I would call myself a little socially awkward,” she said. “But onstage I see that as a big plus. I’m able to just be somebody else and not worry about what people think of me. I give myself the freedom to just go there.” And “go there” is just what this soprano does—to the delight of audiences wherever she sings.” – F. Paul Driscoll
